Para este capítulo he seleccionado a dos críticos que escriben sobre Yoko Ono. Por un lado Achille Bonito Oliva con su artículo titulado "Anni di bronzo" (Periodo de bronce) y por otro parte Pablo J. Rico con "Yoko Ono, pintura instrucción".

En el artículo titulado "Anni di Bronzo" podemos ver que el autor trata temas tales como la objetualización del arte contemporáneo, el arte como mercancía y la contextualización tempo-espacial de la obra de Yoko Ono.

Actualmente somos testigos de la idea de progreso lineal histórico, de la expectativa al progreso de un futuro cultural. El crítico argumenta que el arte de Yoko empieza a asentarse en el sistema del arte. Se busca crear un lenguaje capaz de generar procesos para penetrar dentro de la apatía cotidiana, sin ningún interés de alterarla. Estos procesos están cargados de una actitud estática, lo cual permite al creador marcar su condición de artista contemporáneo sin renunciar a su propio presente, dialogando con ello en una actitud material que es comprensible y que apoya su proyecto sensitivo. Esto es posible pues la artista no destruye el objeto sino respeta su apatía e inercia cotidiana. Una condición como esta, en la que la artista se siente respaldada por la objetividad de su trabajo, hace que la creadora dé al espectador la idea de su capacidad para afrontar el mundo al frente de una producción específica. Achille está a favor de los métodos alternativos para la representación, proponiendo que sean superados los analógicos y competitivos modelos artísticos hasta entonces desarrollados. Los diversos métodos de representación en una artista como Yoko Ono, según el crítico, significan que defiende el rol del arte y el objetivo personal del artista. Esto conlleva a la capacidad de exaltarse y exaltar su propio rol por formular un lenguaje dentro de la historia del arte y dentro de la historia en general, en el que se puede afirmar "que el arte es como es".

El titulo del artículo "Época de bronce" hacer referencia a la actualidad en la que vivimos. Un tiempo en el que el arte acepta una continuidad con el pensamiento cotidiano, en donde se siente la necesidad de destacar el importe abstracto de la producción material, de objetos cotidianos, condenando a la inevitable trayectoria de consumo. Así, lo artistas japoneses americanos se ponen dentro del plano del arte, del simulacro de consumo de objetos y de consumo en sí, siendo esto un intercambio social entre personas y realidad. Este consumo sólo tiende a estabilizar el destino del sujeto, siendo pasivo en su interrelación con la realidad, inhibiéndolo de una actitud productiva, de una imaginación alternativa. Este escenario ha producido una estandarización del patrón de comportamiento vital. De esta forma la artista se centra en el objeto, que se vuelve una señal compositiva que no tiene precedente, intentando fundar un estilo unido entre si y el universo circundante, entre sus propias urgencias expresivas y la realidad del entorno. La artista en esta fase vence el nivel efímero de la realización. El resultado de todo ello da un impersonal estilo, capaz de dialogar con un momento histórico, un sistema de arte y un contexto social determinado. Este arte del objeto quiere hacerse conocer, ser considerado, llegar al final del consumo del arte que es la contemplación. Así se conduce al espectador a la alteración de la noción de consumo, considerando que sus cualidades actuales son alteradas.

Según el crítico, para artistas como Yoko Ono, de connotación involuntaria metafísica, la abstracción de sus trabajos está en la fundación de un nuevo "orden de belleza". El mundo no se fundamenta en un orden simple sino en un proceso de abstracción. Este proceso es contextual para la psíquica manifestación del trabajo.

Por otra parte en el artículo titulado "Yoko Ono, pintura instrucción" el autor se centra en un tema en concreto: las diversas series de instrucciones que realiza la artista. Tras concebir una imagen en su mente, Yoko invita al público que se una a ellas en un acto de creación. Pretende con ello permitirles liberar sus inhibiciones y dar una libertad para expresar sus pensamientos. Su arte, según él, es un lenguaje gráfico visionario que ofrece una avenida para los pensamientos que andan errantes en las mentes de las personas.

El trabajo de Yoko Ono es subjetivo y ella misma admite que esto podría ser una desventaja o una cualidad según el punto de vista. Su obra está íntimamente relacionada con sus necesidades, con su forma de vida.